Lernen Sie den aufstrebenden Stern kennen, der eine neue Erzählung spinnt

Von Sam Cochran, Hannah Martin und Livia Caligor

Dee Clements von Studio Herron mit einer Reihe neuer gewebter Stücke und laufender Arbeiten in ihrem Chicagoer Studio.

Meine frühen Körbe waren sehr eng, klein und fertig“, sagt Dee Clements von Studio Herron und schimpft leicht über ihr früheres perfektionistisches Ich. „Das war mein Designgehirn.“ Seitdem sie sich für den Masterstudiengang Möbel an der Cranbrook Academy of Art in Michigan eingeschrieben hat, kämpft sie jedoch gegen diesen Drang an. „Ich möchte die Sprache des Korbsports aufrütteln.“

Heutzutage gelingt ihr das, wie aus den bauchigen, pummeligen und leicht anthropomorphen Formen hervorgeht, die ihr Studio in Chicago beleben. „Ich möchte, dass die Leute dieses Handwerk auf eine neue und erhabene Art und Weise sehen“, sagt sie, während sie neben einem großen, geschwungenen, vielfarbigen Work in Progress steht. Und bald werden es die Leute tun. Dieses skulpturale Pseudogefäß und sechs weitere Stücke, darunter eine Leuchte und ein Outdoor-Teppich, werden in Clements‘ erster Einzelausstellung in der Nina Johnson Gallery in Miami zu sehen sein. Die Ausstellung, die am 1. Juni eröffnet wird, markiert ihren Einstieg in das konzeptionelle Terrain.

Clements – die auch mit Salon 94 Design in New York zusammenarbeitet – kreiert ihre Stücke aus dünnen Schilfrohren, die sie von Hand färbt und manchmal mit Gouache bemalt. Ihr Prozess beginnt oft mit einer traditionellen Form, aber sie lässt sich vom Material leiten und hält die Schilfrohre beim Weben feucht, damit sie geformt und in die gewünschte Form geklemmt werden können. „Es ist fast so, als würde man einen Tontopf herstellen“, erklärt sie die langsame und gleichmäßige Methode, die in einer Schicht Polyurethan und manchmal dem Hinzufügen einer beschwerten Keramikbasis gipfelt. „Das Material hat ein Gedächtnis.“

Sie könnte genauso gut über das Weben im Allgemeinen sprechen. Als eine der ältesten handwerklichen Techniken der Welt hat die Korbflechterei eine lange soziale Geschichte, insbesondere im Hinblick auf die Arbeit und Arbeitsteilung von Frauen. Daher der Ausstellungstitel „The Future Has an Ancient Heart“, entnommen aus einem Buch von Carlo Levi. „Im Moment fühlt es sich in unserer Gesellschaft so an, als würden wir zurückblicken, um vorwärts zu kommen“, sagt Clements. „Das ist ein wirklich wichtiger Teil meiner Arbeit.“ studioherron.com

Liebes' Handwebstuhl (1947).

1945-Muster in den charakteristischen Farben.

Muster von 1953 mit Aluminiumgarn.

Das Manhattan-Atelier des Designers (1966).

Dorothy Liebes in ihrem Studio in San Francisco (1948).

Die Designerin Dorothy Liebes (1897–1972), die zu ihrer Zeit als „Mutter der modernen Weberei“ und „Amerikas First Lady am Webstuhl“ gefeiert wurde, leitete eine neue Ära amerikanischer Textilien ein. Ihre sinnlichen und strukturell komplexen Stoffe untergruben den Status quo – sie brachten Wärme, Textur und Glanz in die Mode- und Designbranche und erregten gleichzeitig die Aufmerksamkeit der Architekturelite. Frank Lloyd Wright, Donald Deskey und Frances Elkins waren allesamt Fans, auch wenn die Geschichte ihr nicht immer die gebührende Ehre erwiesen hat. „Es gibt eine Kluft zwischen dem, was sie getan hat, und dem, wofür die Branche sie in Erinnerung behält“, meint Susan Brown, Leiterin der Textilabteilung am New Yorker Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum. „Sie hatte großen Einfluss auf die Gestaltung der Mid-Century-Architektur, aber ihr Name wurde aus der Erzählung gestrichen.“

Nicht mehr, dank der kommenden Ausstellung „A Dark, a Light, a Bright: The Designs of Dorothy Liebes“. Die Ausstellung wird am 7. Juli im Cooper Hewitt eröffnet und vereint mehr als 125 Archivwerke, darunter Stoffmuster, Kleidungsstücke und Möbel, aus den 1930er bis 1960er Jahren. „Liebes war wirklich in der Lage, die Architektur des Webens und die Formen, die Garne erzeugen, zu begreifen“, erinnert sich Brown und nennt ihren bahnbrechenden Einsatz unkonventioneller Materialien wie Zellophan, recyceltem Kunststoff und Metallfasern. Wie Liebes selbst 1946 schrieb: „Metall ist eine Farbe. Ich verwende es immer wieder in meinen Stoffen.“ Ihre Kreationen glänzten in vielen hochkarätigen Räumen Manhattans – darunter im Delegates Dining Room der Vereinten Nationen, für den sie rekonfigurierbare Trennwände schuf, und im Nachtclub „Persian Room“ im Plaza Hotel, wo ihre Vorhänge Tausende winziger Glühbirnen enthielten. „Sie verstand, dass Licht der Schlüssel dazu war, ihre Textilien so zu erleben, wie sie es beabsichtigt hatte“, sagt Alexa Griffith Winton, die die Ausstellung gemeinsam mit Brown kuratierte. Aber Liebes verstand auch, dass großartiges Design für alle zugänglich sein sollte. Durch die Zusammenarbeit mit amerikanischen Produktionsgiganten wie DuPont, Lurex und Sears trug sie dazu bei, den landesweiten Wandel von maßgeschneiderten Webereien zu Maschinenwebstühlen voranzutreiben und erschwingliche Wege zu hochwertigen Textilien zu schaffen. Und das war, wie Griffith anmerkt, „Liebes‘ stille Revolution“. cooperhewitt.org

Cristián Mohadeds Cocktailtisch für Loro Piana Interiors.

„Apacheta ist eine Möglichkeit, Mutter Erde zu danken“, sagt Designer Cristián Mohaded über die gestapelten Steine, die Wanderer entlang der Andenpfade hinterlassen. Diese Steinhaufen haben ihn zu diesem Cocktailtisch inspiriert, der Teil seiner neuen Möbelkollektion für Loro Piana Interiors ist. Das aus Eiche, Keramik, Alpaka und Wolle gehauene Stück ist eine Anspielung auf die Landschaften seiner Heimat, der argentinischen Stadt Catamarca, wo Loro Piana Vicuña-Fasern für seine luxuriösesten Stoffe bezieht. loropiana.com