Sieben Ausstellungen während des Berliner Galeriewochenendes

Von Rhea Dillons von Toni Morrison inspirierter Einzelausstellung bis hin zu einer Gruppenausstellung zeitgenössischer Malerei wählt Louisa Elderton ihre Highlights aus der deutschen Hauptstadt aus

Agnes DenesE-Werk Luckenwalde29 April – 16 July

Das E-WERK Luckenwalde – weniger als eine Zugstunde von Berlin entfernt – hat 2019 ein stillgelegtes Kohlekraftwerk in ein CO2-neutrales Kraftwerk für erneuerbare Energien umgewandelt und finanziert die Produktion und Ausstellung von Kunst durch den Verkauf seines Stroms, der aus der Pyrolyse von Biomasse gewonnen wird , über das nationale Netz. Im Gegenzug ist es zu einem wichtigen Akteur beim Umdenken geworden, wie Institutionen nachhaltige Ansätze zur Schaffung und Verbreitung von Kultur entwickeln können. E-WERK hat mit der in London ansässigen Auftragsplattform Cultural Institute of Radical Contemporary Arts für eine Reihe neuer Videos von Agnes Denes zusammengearbeitet, die für ihr Land-Art-Stück Wheatfield – a Confrontation (1982) berühmt ist, in dem sie zwei pflanzte und erntete Hektar gesunder, goldener Weizen auf der New Yorker Battery Park Deponie. Denes' Faszination für die Ökologie zieht sich durch drei Filme, die zusammen den Titel Another Confrontation (1982–2022) tragen. Das Projekt, das den Umweltzerfall und den dringenden Handlungsbedarf hervorhebt, um das zukünftige Überleben des Planeten zu sichern, ist kein Science-Fiction-Thriller: Es ist Denes‘ Ruf zu den Waffen und kommentiert unser Missmanagement der Ökosphäre und die Bedeutung dessen, was als nächstes passiert.

Dora BudorGalerie Molitor14. April – 24. Juni

Dora Budor, die ursprünglich als Architektin ausgebildet wurde, beschäftigt Dora Budor, den Prozess, bestehende Räume oder Objekte zu nutzen, um fiktive Realitäten oder imaginäre Wahrheiten zu formen. Raumverzerrungen gibt es in „OLD WORLD“, ihrer Ausstellung im Molitor – einer der mit Spannung erwarteten neuen Galerien Berlins, die letztes Jahr in einem eleganten Raum aus Beton und Glas eröffnet wurde. Budors Serie von Papierarbeiten „Terror Terroir“ (alle Werke 2023) nutzt Pigmente aus Berliner Elektrorollern und oberirdischen Abflusssystemen – gesammelt durch einen Frottage-ähnlichen Prozess mit Sandpapier –, um die gelebte Dimension einer Stadt zweidimensional zu machen Abstraktionen. Auch zwei neue Videokollaborationen mit dem Künstler Noah Barker drehen den Realismus auf abgefahrenem Terrain, nämlich indem sie ein Glas Orangenwein an die Kamera binden (Orange Film I und II). Ein bräunlicher Glanz verleiht Szenen eine amorphe Darstellung von The High Line und Domino Park in New York sowie einer öffentlichen Skulptur von Anish Kapoor unter einem Luxusgebäude. Diese verdeutlichen das Trugbild des Fortschritts, das in solchen städtischen Transformationen steckt, und die wirtschaftlichen Zwänge, die sie definieren.

Sheila HicksMeyer Riegger29. April – 29. Juli

Bei Meyer Riegger geht es mit der ersten Ausstellung der Achtzigjährigen Sheila Hicks in Deutschland seit mehr als 50 Jahren weiter. Die Faszination der in Paris lebenden Künstlerin für Farbe findet ihre strukturelle Form in verschiedenen Fasern, die sie zu viszeralen Effekten verknotet, webt oder spinnt. Als Projektherausgeber von Phaidons Vitamin T: Threads and Textiles in Contemporary Art (2019) war ich von allem, was mit Stoff zu tun hat, besessen, und Hicks ist einer der Spitzenreiter, wenn es darum geht, Meisterwerke aus Materialien wie Wolle und Wolle zu schaffen Leinen bis Seide und pigmentiertes Acryl. Als sie Ende der 1950er Jahre durch Lateinamerika reiste, lernte sie moderne und alte Webmethoden aus erster Hand kennen. Ihr Interesse an mesoamerikanischen Textilien wurde in Yale geweckt, als sie bei Josef Albers und George Kubler, einem Gelehrten der präkolumbianischen Kunst, studierte. Meyer Reigger zeigt Stücke aus der gesamten Karriere von Hicks, von den üppigen, weichen, scharlachroten Kugeln, die in Rempart (2016) hochgestapelt sind, bis zu den 15 aus weißem Leinen gewebten Stäben in Reaching For Purgatory (2023), von denen man sich irgendwie wünscht, sie würden sich immer weiter ausdehnen, um sie für immer einzusperren Du in seinem weichen Unterbauch.

Christina QuarlesHamburger Bahnhof24 March – 17 September 2023

Der Dialog zwischen historischen und zeitgenössischen Kunstwerken ist eine der effektivsten Möglichkeiten, die Gemeinsamkeiten aufzuzeigen, die Erfahrungen im Laufe der Zeit prägen. Christina Quarles betrachtet die übergreifenden Erzählungen in ihrer Arbeit als eine Untersuchung der Lesbarkeit und Mehrdeutigkeit dessen, „was es heißt, sich in einem Körper durch die Welt zu bewegen“, wie es in den Ausstellungsmaterialien heißt, und stellt dabei die Vielfältigkeit ihrer eigenen rassischen, queeren Identität in den Vordergrund. Die Körper von Quarles, die lebendige Farben und Muster mit den Umrissen unbestimmter, aber eleganter Gliedmaßen verbinden, befinden sich oft in einem Prozess der Verwandlung, Bewegung und des Werdens. Für ihre erste institutionelle Ausstellung in Deutschland mit dem passenden Titel „Collapsed Time“ beschäftigte sie sich mit der zirkulären Natur der Darstellung physischer und psychischer Gefangenschaft in der Kunstgeschichte; Quarles taucht in die Sammlung der Nationalgalerie ein und zeigt neben ihren eigenen großformatigen Gemälden auch Werke von Künstlern wie Vito Acconci, Daniel Buren und Nam Jun Paik. Das in einem theatralischen Raum angesiedelte Ausstellungsdesign verwendet Gazehintergründe und Requisiten, um die konstruierte Natur der Identität und den strukturellen Apparat, durch den der Körper so oft definiert, ja eingeengt wird, auszugleichen.

Rhea DillonSweetwater26. April – 10. Juni

Toni Morrison betrachtete das Schreiben als eine Möglichkeit, sich die Welt zu erschließen, verkörperte Erfahrungen zu öffnen und die Grenzen engstirniger Perspektiven aufzuheben. Rhea Dillon interessiert sich für Schwärze aus dem Archiv ihres eigenen Körpers und greift direkt auf Morrisons ersten Roman The Bluest Eye (1970) zurück – ein Buch, das in seiner Auseinandersetzung mit Rassismus, Kindesmissbrauch und Inzest so wichtig ist, dass es zahlreiche Versuche gab, es zu verbieten – für ihre Debütausstellung mit Sweetwater. Mit fettiger, kletterfester Farbe überzieht Dillon Kopien der pädagogischen Kindergeschichtenserien „Dick und Jane“ und „Alice und Jerry“ mit dickem Pigment, so dass nur Textschnipsel lesbar bleiben, wie zum Beispiel: „Sieh mich, Mutter, Sieh mich!' Die umlaufenden großen Mahagonirahmen erinnern an flache Gräber – ein Bild, das durch ein Werk in Form eines kleinen Sarges, gefüllt mit Ringelblumensamen, verstärkt wird (Incomprehensible Sex Coming to its Dreaded Fruition; Nothing Remains but Pecola & the Unyielding Earth, 2023). Es erinnert an eine Passage im Roman (der auch als Titel der Serie verwendet wird), in der sich die Nachricht von der Schwangerschaft der Protagonistin aufgrund einer Vergewaltigung in der ganzen Stadt verbreitet. Als ihre Adoptivfamilie Ringelblumensamen pflanzt, die bei der Geburt des Babys sprießen, fällt ihnen auf: „Wir suchten nach sorgenvollen Augen, sahen aber nur Schleier.“ Dillon erobert diesen Schleier zurück, indem sie die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das richtet, was sie sehen soll.

„In Defense of Symbolic Value“Galerie Max Hetzler 27. April – 10. Juni

Ich war ohnmächtig, als ich die Künstlerliste dieser Ausstellung sah, die von der Berlinerin Isabelle Graw, der Kunstkritikerin und Herausgeberin der Zeitschrift Texte zur Kunst, kuratiert wurde. Was hat also Adam Pendletons Siebdruck „Untitled (WE ARE NOT)“ (2022–23) mit Öl-auf-Leinwand-Werken wie „Dream Until It's Your Reality“ (2022) von Jutta Koether oder „Mora“ (2022) von Valentina Liernur gemeinsam? Laut der Pressemitteilung glaubt Graw, dass es „soziale Kontexte sind, die Kunstwerken symbolische Bedeutung verleihen“ und dass die zunehmende Zirkulation von Kunst zwischen Luxusgalerien in Elite-Resorts – was sie „Resortisierung“ nennt – und digitale Blasen wie Instagram zu einer Leere führt der kritischen Bewertung. Gemäß dem Titel der Ausstellung spricht Graw „zur Verteidigung des symbolischen Wertes“, wobei jeder ausgewählte Künstler die Malerei (nach Graws Ansicht das „Erfolgsmedium“) nutzt, um diese Verschiebung der Zirkulation und die daraus resultierende Verwässerung des analytischen Wertes aufzudecken. Künstler wie Kerry James Marshall, Avery Singer, SoiL Thornton, Rosemarie Trockel und andere erklärten sich bereit, den Klang ihrer Arbeitsprozesse aufzuzeichnen, aus dem der Musiker Jens-Uwe Beyer eine immersive Klanglandschaft geschaffen hat, die den Betrachter umhüllt. Wenn Sie nicht mehr wissen, wo Ihre digitale Vernetzung beginnt und Ihre sozialen Beziehungen enden, kann diese Show vielleicht Ihre verzerrte Realität neu ausrichten.

Cao FeiSprueth Magers29. April – 19. August

Ich werde nie vergessen, wie ich zum ersten Mal das Spektakel von Cao Feis virtueller RBM City (2007–11) erlebte, die in der Online-Welt von Second Life entstand; Ich war fasziniert von der jenseitigen und doch seltsam vertrauten Mischung aus schwebendem Panda, Feuer, Wolkenkratzern, Pagoden und Raketen. Für ihre Debütausstellung bei Sprüth Magers stellt sich Cao noch ausgefeiltere Ökosysteme vor, die mehrere Umgebungen und Möglichkeiten kombinieren und die Porosität zwischen virtueller und physischer Existenz untersuchen. Von ihrem neuesten androgynen Avatar mit bionischen Tentakeln (Oz, 2022) über einen Wissenschaftler, der seinen Sohn versehentlich in einem alternativen Zeit-Raum-Kontinuum gefangen hält (Nova, 2019) bis hin zu einer persönlichen Darstellung der Quarantäne ihrer Familie in Singapur (Island of Isolation, 2019) Caos Videos verwischen die Grenze zwischen Fiktion und Tatsache und verweisen auf geopolitische Realitäten wie unser Leben im Lockdown während COVID-19, den Einfluss der Technologie darauf, wie und wo wir existieren, und die politische Politik, die unser Leben prägt. Die gleichnamige immersive Installation im Erdgeschoss lädt die Betrachter dazu ein, sich hinzulegen und in die erste architektonische Meisterleistung des Künstlers im Metaversum zu blicken: ein industrielles, botanisches, aquatisches, galaktisches Reich, das verheißungsvoll in einem bonbonfarbenen Himmel schwebt. Cao stellt sich eine alles verzehrende Ewigkeit vor, in der die Verschmelzung von menschlichem und maschinellem Bewusstsein nicht nur unvermeidlich, sondern notwendig ist.

Hauptbild: Agnes Denes, PRÄSENTATION: Tree Mountain – Eine lebendige Zeitkapsel. Mit freundlicher Genehmigung: CIRCA und der Künstler

Louisa Elderton ist Autorin und Redakteurin und lebt in Berlin. Sie war kuratorische Redakteurin am Gropius Bau und ist derzeit Chefredakteurin von ICI Berlin Press.

In der Galerie Molitor, Berlin, zeigt eine der Künstlerin gewidmete posthume Ausstellung eine Auswahl ihrer ausgeschnittenen Leinwände aus den 1970er Jahren

Von Cinga Samsons Geisterfiguren bis zu Sam Hutchinsons Auseinandersetzung mit der Jahrtausendästhetik

Von Alexander Tovborgs spiritueller Sehnsucht bis hin zu kollektiven Mythologien, erzählt von Miralda

Bei SAVVY Contemporary, Berlin, untersucht „Conspicuous Invisibility“ die Wahrnehmung von Identität, Geschichte und der afrikanischen Diaspora

Von Nerhols impressionistischen Abstraktionen bis hin zu Cai Guo-Qiangs KI-erzeugten Feuerwerksexplosionen

Der DJ und Autor experimentiert mit elektronischer Musik und überdenkt die Bedeutung eines „Klangarchivs“ neu, als er am National Institute of Design Tonbänder entdeckt

Bei Barbara Wien, Berlin, bewertet der Künstler seine Liebe zu Leonard Cohen im Lichte der Haltung des Musikers zu Palästina neu

Bei Between Bridges, Berlin, dient eine Retrospektive des Werks des verstorbenen Künstlers als Erinnerung an sein zu kurzes Leben

Von Marguerite Humeaus postapokalyptischer Insektenwelt bis zu Michael E. Smiths beunruhigenden Assemblagen

Von Edita Schuberts performativen Gemälden in der Galerie Molitor, Berlin, bis hin zu Sin Wai Kins neuer Videoinstallation in der Fondazione Memmo, Rom

Von Lee Bulls Auseinandersetzung mit gescheiterten Utopien in Göteborg bis hin zu einer Gruppenausstellung über die Arktis in Umeå

Von Shikh Sabbir Alams wilder Flora und Fauna bis hin zu Camille Norments akustischen Rückkopplungsschleifen

Von Christopher Kulendran Thomas' Meditation über die Kunstgeschichte bis hin zu einer überfälligen Heimkehr von Tom of Finland